Meshell Ndegeocello habla revisando Gems de R&B para álbum de portadas y por qué Bruno Mars es «Karaoke»

Cuando Meshell Ndegeocello lanzó su aclamado debut Plantation Lullabies en 1993 como la primera firma del sello Maverick Records de Madonna, su distintiva fusión de hip-hop, R&B terrenal y funk puro golpeó el paisaje de la radio urbana como un cometa, una muestra temprana de la revolución neo-soul que ayudó a marcar el comienzo de una nueva ola de R&B.

Desde entonces, la música criada en Washington, DC, ha grabado 11 álbumes de música hermosa y subversiva que hace una transición al jazz, folk, blues y reggae, y ha colaborado con íconos de la industria como los Rolling Stones, Jack DeJohnette, John Mellencamp y su propia Madgesty. Su música le ha valido nominaciones al Grammy (una vez en 2003 por Cookie: The Anthropological Mixtape y nuevamente en 2008 por su versión de Earth, Wind & Fires Fantasy), y sus canciones han animado bandas sonoras de comedias románticas como How Stella Got Her Groove Back, Love Jones y El Padrino.

En el 25 aniversario de su debut Plantation Lullabies, Ndegeocello regresa con un nuevo y excelente disco de versiones que rinde homenaje a la era del R&B que ella ayudó a eliminar. Titulado Ventriloquism, el LP de 11 pistas (a la venta el 16 de marzo) encuentra al bajista atravesando un bloque de diez años entre 1985 y 1995, seleccionando algunos de los períodos más contagiosos de la radio de la talla de Janet Jackson, Sade, TLC, Tina Turner, Ralph Tresvant, Al B. ¡Seguro!, Prince y los MD de Force, cuyo lento y sedoso jam Tender Love se transforma en una toma descartada imaginaria de Harvest de Neil Young. Es una interpretación increíble de una era que es amada por generaciones, y se reproduce como un bloque de radio de una hora de duración de otro mundo desde la estación de radio 98.7 KISS FM de Nueva York en 1988. La conversación de Nosotros con Ndegeocello sobre la ventriloquia se produjo poco después de que se transmitieran los premios Grammy. , y hablar sobre el nombre del álbum dio lugar a una discusión sobre Bruno Mars, donde comienza la entrevista.

¿Qué pensaste de Bruno esa noche en los Grammys?

Lo que está haciendo es karaoke, básicamente. Con Finesse, en particular, creo que simplemente estaba copiando a Bell Biv DeVoe. Creo que estaba copiando a Babyface. Y definitivamente hubo algunos elementos de Jimmy Jam y Terry Lewis cuando trabajaron con Human League. Siento que hay todos estos hilos corriendo por ahí, pero no de una manera genuina.

¿Qué tan fino es ese equilibrio entre el karaoke y la interpretación artística?

Es realmente una cuestión de musicalidad y poder manipular los tropos de una manera que lo haga sentir personal. No puede ser simplemente un pastiche, donde estás copiando o imitando un sonido antiguo o simplemente haciendo karaoke. Tiene que haber una forma de sinceridad.

La ventriloquía demuestra ser una escucha tan intrigante. La forma en que interpretas una canción como, digamos, Private Dancer, realmente puedes sentir el dolor en esa canción donde puede haber sido enmascarado en la versión de Tina Turner en medio del brillo del estudio.

Fue escrito por el guitarrista de Dire Straits, Mark Knopfler. Ya sabes, ¿dinero a cambio de nada y tus pollitos gratis? De hecho, volví y leí la letra de Money for Nothing y pensé: esa es una melodía pegadiza y suena muy alegre, pero líricamente es una mierda oscura. Sentí lo mismo acerca de Private Dancer. Nunca entendí por qué a la gente le gustaba tanto la canción, porque era tan mezquina.

Oh sí, olvidé que Knopfler escribió ese

Sí, ¿no es raro? De hecho, quiero volver a cada uno de los escritores que crearon estas canciones y entrevistarlos. De hecho, acabo de encontrar al escritor de Atomic Dog, y no creo que nadie sepa que fue escrito por un coreano de Detroit. Me puse en contacto con Jimmy Jam y Terry Lewis para entrevistarlos, porque escribieron todos los éxitos. Pero también me encantaría conocer y conversar con Mark Knopfler, sí.

Otro aspecto intrigante de Ventriloquism es volver a escuchar canciones como Tender Love, Sensitivity y Night and Day, especialmente en medio de los movimientos #MeToo y Times Up. En aquel entonces, parecía que los hombres de R&B realmente pretendían escribir canciones desde un lugar muy sensible y tierno mientras intentaban mantener algún tipo de atractivo sexual.

Sí, era como el trovador contra la máquina sexual masculina. Fue un baile complicado. No puedo escuchar mucho R&B moderno, solo por la vibración que emite. Esas canciones de Ralph Tresvant y The Force MDs, eran las canciones de bodas negras (risas). Todos hablaban de esta asombrosa ternura.

¿Qué fue lo que te inspiró a centrarte en esta era en particular?

Supongo que fue provocado por simplemente sentarme con mis amigos y, a veces, disfrutamos de la compañía de los demás marcando los períodos de la música que más nos afectaron. La idea de las portadas fue más el resultado de un año muy intenso que experimenté con la muerte de un padre y la demencia de otro. Y fue agradable simplemente sentarse con las melodías que amas y conoces de una manera emocional. Fue catártico para mí tratar de darles otra vida, estas canciones.

La canción de Lisa Lisa, en particular, fue toda una experiencia volver después de escuchar tu versión de I Wonder If I Take You Home. Fue un adelantado a su tiempo.

Sí, definitivamente. Ese también me llamó mucho la atención. Me hizo pensar, Wow, fue un momento realmente increíble. La programación de ese primer álbum de Lisa Lisa & Cult Jam estaba tan en el punto, tan en el cenit. Pero podrías bailarlo totalmente.

¿Qué tan prominentes fueron algunas de estas canciones, especialmente las de mediados y finales de los 80, durante tus días como músico en el circuito go-go de DC?

Todo esto fue una banda sonora para mi juventud. Y las bandas go-go de DC siempre tomaban los éxitos de la época y los filtraban a través de su lente colectiva, y hacían que esas melodías pop se adaptaran más a ese lugar. Se los apropiaron para esas vibraciones de DC/Maryland/Virginia en ese momento, así que muchas de estas cosas las sabía de ese período porque tenía que aprenderlas (risas). Tengo que ejercitar un músculo del pasado.

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También te hace darte cuenta de lo atemporal que es parte de esa música, como Sade.

Esos discos de Sade son para ahora tanto como lo fueron entonces. Es gracioso, me molestó mucho lo que dijo Neil Portnow, chico de los Grammy, sobre que las mujeres tienen que dar un paso al frente. Estaba realmente molesto y fue realmente extraño, porque lo había conocido antes y no tuvimos un intercambio tan agradable. Pero luego me di cuenta de que Nina Simone nunca ganó un Grammy. Patti Smith nunca ganó un Grammy. Siouxsie Sioux, también. Los Grammy siempre son divertidos de ver, pero realmente tienes que buscar en otro lado si quieres escuchar buena música.

El nivel de desconocimiento por parte de Portnows cuando dijo eso era como si Michael Scott, George Costanza y Larry David se juntaran.

No sé lo que estaba pensando. Fue tan insultante. Pero fue una llamada de atención. Me nominaron un par de veces en el pasado, pero luego conocí a Portnow y nunca más me nominaron. Vi detrás de la cortina. Vi cómo funciona, y es genial. Han hecho muchas cosas buenas para ayudar a muchos jóvenes. Pero llega un momento, como músico o como cualquier persona creativa, de considerar si lo estás haciendo o no por los elogios. No creo que tenga. Pero también queda claro de quién son los juicios que te importan, y he dejado pasar los juicios de la industria de la música hace mucho tiempo.

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