Esta semana, Nosotros publica una serie de listas y artículos que celebran la música de hace 20 años. Nuestra Semana 2002 continúa aquí con una retrospectiva sobre el subgénero que alcanzó su cénit artístico antes de agotarse, pero no antes de fomentar una comunidad inclusiva, derribando las barreras de la libertad sexual y cambiando el rostro de la música pop, dance y punk.
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Sentada en una playa de México, Casey Spooner respira aire fresco y disfruta de los buenos momentos. Si vas a estar en algún lugar para la Tercera Guerra Mundial, este no es un mal lugar en la playa, dice, sonriendo por una llamada de Zoom. Sin embargo, cuando se le preguntó en qué lugar de México se encuentra exactamente, Spooner de repente duda en responder. Todo el mundo se está volviendo loco porque se está volviendo popular muy rápido. La gente está preocupada de que se arruine.
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Spooner sabe un par de cosas sobre las cosas que se vuelven muy populares, muy rápido antes de desaparecer. Como miembro fundador del dúo electrónico de principios de la década de 2000, Fischerspooner (junto con su socio creativo Warren Fischer), Spooner fue uno de los pocos artistas que estuvo al frente del movimiento electroclash. El subgénero underground, que se abrió camino desde los clubes de Múnich, Nueva York y París hasta alcanzar su punto máximo de reconocimiento internacional en 2002, combinaba la estética de la nueva ola, los sonidos del synth-pop, el techno y el punk, y el dramatismo de la interpretación. arte en una singular explosión de entretenimiento musical.
Los orígenes del electroclash han sido turbios durante años. El consenso general sobre el tema es que el género nació gracias al trabajo del pionero productor alemán DJ Hell, cuyo sello International DeeJay Gigolos albergó a algunos de los primeros en adoptar el género, incluidos Fischerspooner, Miss Kittin & The Hacker y muchos otros. Mientras tanto, la difusión y popularidad del electroclash, especialmente en los Estados Unidos, a menudo se atribuye al promotor de clubes y productor superestrella Larry Tee, quien acuñó el nombre del género.
Para JD Samson, quien asumió como miembro del grupo adyacente de electroclash Le Tigre en 2000, el género simplemente nació de una generación que necesitaba desesperadamente música nueva. Este fue un movimiento que se trataba más de una conciencia colectiva de lo que creo que muchas personas están dispuestas a admitir de personas que crecieron a principios de los 90, dice, esa generación particular de personas iba a raves y escuchaba punk. música, y estaba buscando una manera, especialmente mujeres y homosexuales, de cambiar el guión y hacer su propia música.
Peaches, una de las estrellas más brillantes del movimiento electroclash, está de acuerdo con Samson después de pasar la mayor parte de su carrera musical actuando en la banda folk Mermaid Caf, antes de formar brevemente un grupo más experimental llamado The Shit. Peaches encontró una sensación de liberación en la estética del bricolaje. de electroclash, y su habilidad para tomar un groovebox Roland MC-505 y hacer cualquier tipo de sonido que le apeteciera.
Simplemente comencé a jugar, como, podría ser el baterista, podría ser el tecladista, podría ser el bajista, podría hacer sonidos extraños, dice ella. Fue increíble porque todas estas mujeres lideraron una maldita revolución diciendo: No tienes que ser un científico espacial para tocar música electrónica, y puedes infundir tu feminidad ruda y tu rareza ruda y hacer música genial de la manera que quieras. .
En 2002, los gustos dominantes se inclinaban hacia sonidos que eran en gran medida inofensivos y poco desafiantes, estrellas de R&B como Ashanti, bandas de rock amigables con la radio como Nickelback, grupos de nu-metal como Linkin Park y emergentes del pop alternativo como Avril Lavigne dominaron el cartas El hip-hop había crecido hasta convertirse en el género cultural más relevante del momento, pero aún estaba dirigido, con muy pocas excepciones, por hombres heterosexuales.
En medio de la monotonía, el electroclash dejó su huella. The Teaches of Peaches , el primer álbum en solitario de Peaches, fue relanzado por XL Recordings, presentando sencillos electroclash ahora clásicos como Fuck the Pain Away y AA XXX para un público más amplio. Fischerspooners Emerge comenzó a afianzarse, antes de ser recogido por Capitol Records y llegar al top 20 de la lista Billboards Dance Club Songs en 2003. El segundo álbum de Le Tigres, Feminist Sweepstakes , polarizó a los críticos pero envió un fuerte mensaje político. Bandas como Chicks on Speed, Scissor Sisters, ADULT. y Ladytron comenzaron a ascender a un mayor reconocimiento cultural.
Al principio, estaba feliz de tener un período de publicidad, dice Spooner con una sonrisa. Hubo momentos en que las audiencias se dividían en tiempo real frente a ti; Habría algunas personas a las que realmente les interesaba y otras que realmente no. Siempre sentí que estaba haciendo algo bien si la mitad de la sala estaba confundida o enojada.
Samson ha pasado mucho tiempo recordando los años pico del electroclash y dice que, entre otras cosas, la pura teatralidad del género y su difuminación de las líneas entre el arte escénico y la música se prestó a ser adoptado tan rápidamente por los artistas queer en lugar de a otros grupos más heterosexuales que capitalizaron el sonido pero no la espectacularidad. Había bandas como The Rapture y The Yeah Yeah Yeahs que en realidad no formaban parte de ese mundo, a pesar de que surgían al mismo tiempo y usaban la electrónica, dice ella. Había como un elemento de humor y un elemento de actuación donde podía imaginar que sucediera en Joes Pub [un pilar en la escena del teatro experimental de Nueva York] casi más que en un bar punk.
En la misma línea, Peaches sostiene que, especialmente en un paisaje de baile donde había mucha seriedad en el frente, el electroclash ofreció un poco de resistencia al traer alegría e irreverencia a la fiesta, que en sí misma era una mentalidad extraña. No estaba tratando de seguir ningún tipo de línea musical que estuviera allí, dice ella. No estoy diciendo que fuera sofisticado, ¡pero eso también fue genial! No se estaba tomando a sí mismo tan en serio, pero era muy divertido.
Spooner, mientras tanto, se debate por qué exactamente el electroclash se convirtió en un eje central de lo queer a principios de la década del 2000. ¿Tal vez es como la relación con la cultura del club y la música dance y la transformación? él se pregunta. ¿Tal vez porque era como un espacio donde podías usar lo que quisieras y no ser juzgado realmente? Honestamente, no lo sé.
Lo que sí sabe, sin embargo, es lo que finalmente acabó con el género, la etiqueta de electroclash en sí. Honestamente, el nombrarlo lo mató de una manera extraña, dice. Una vez que se le asigna un nombre y un género, se agrupa con otras cosas. Y luego otras personas comienzan a emularlo, lo que luego comienza a diluir los impulsos.
En el transcurso de los siguientes cinco años, Peaches vio cómo el electroclash dio a luz a new-rave, que tomó todos los elementos del electroclash y luego lo convirtió en una maldita boy band st. New rave finalmente se derrumbó, y EDM comenzó su ascenso al dominio cultural actual. Quitó la rareza del espacio, dice con un suspiro. Fue como, ahora hagámoslo más como si The Strokes hicieran electroclash, o algo así. Entonces se volvió más heteronormativo, en realidad.
Electroclash puede haber desaparecido, pero su influencia sobre el espíritu musical hace 20 años creó reverberaciones que todavía se sienten en la escena musical actual. Un ejemplo clave es el hiperpop, el subgénero emergente nacido de la experimentación con el pop electrónico del difunto productor SOPHIE y el colectivo AG Cooks PC Music. Hyperpop ha pasado a compartir algunas de las características definitorias de los electroclash, incluida la fusión de múltiples géneros principales, la producción artística performativa y un grupo de artistas LGBTQ que abren el camino hacia el nuevo movimiento musical.
Cuando Samson mira el movimiento hiperpop que está ocurriendo en la escena musical actual, ve lo mismo que vio cuando el electroclash comenzó su auge, un microgénero definido por lo que la generación más joven creció escuchando. Es solo que, esta vez, esa generación escuchó electroclash mientras crecía. La diferencia hoy, señala, es el acceso.
Que todos tengan su propio DAW y su propio sintetizador y su propia capacidad de hacer lo que quieran en su computadora frente a ellos es realmente diferente a estar sentados en una habitación con un ocho pistas y una muestra de mierda que no era digital, ya sabes. ? dice ella, y agrega que el tono también ha cambiado con los tiempos. Creo que también es una respuesta directa a mucho de lo que está pasando en la música pop y lo que está pasando en el mundo es un poco enojado otra vez.
Spooner no tiene muchas esperanzas en el futuro de la música pop Top 40. Puede que no sea posible que el pop sea progresivo, dice, citando sus propias experiencias en un sello importante. Pero ver a estrellas de la producción como Arca y Ssion comenzar a ocupar su lugar en la corriente principal cultural es lo que le dice a Spooner que él fue parte de algo que ayudó a crear un cambio positivo para la actualidad. Es la imagen y toda la personalidad, lo que se siente como parte definitiva del legado [de electroclash], dice.
Mientras tanto, Peaches dice que ha estado muy al tanto del impacto que dejó el electrochoque. Ella escuchó de estrellas del pop vanguardistas como P!nk, Christina Aguilera y Lady Gaga, quienes le dijeron que tú me influenciaste, dice. Ver a Fuck the Pain Away aún obtener sincronizaciones masivas en cine y televisión, y seguir conociendo a los fanáticos que acaban de escuchar su álbum seminal por primera vez son todas las razones por las que actualmente se está preparando para una gira del 20 aniversario de The Teaches of Peaches a partir de mayo. Me siento muy emocionada de que la gente esté tan emocionada, dice. Vamos a una maldita fiesta.
En retrospectiva, los tres artistas están de acuerdo en que el electroclash fue un género que se adelantó a su tiempo, no solo por traer nuevos sonidos, sino por destacar a los artistas LGBTQ de vanguardia que de otro modo habrían sido descartados por la industria en general. La idea de movimiento y ocupación de espacio es enorme, dice Samson. No había un montón de oportunidades para hacer eso en ese entonces. Ocupar tanto espacio como un almacén era perfecto para permitirte sentirte libre y ser tan grande como querías ser.